"Piedra iluminada / piedra no iluminada": Una Reflexión Integral sobre Dualidades Sociales, Políticas y Artísticas

 

"Piedra iluminada / piedra no iluminada",
de Wilfredo Prieto

La instalación "Piedra iluminada / piedra no iluminada" de Wilfredo Prieto, presentada en la Bienal de Venecia 2024, es una obra que, a primera vista, parece sencilla pero que, en su esencia, desencadena una serie de reflexiones profundas sobre dualidades inherentes a la existencia humana, la naturaleza de la realidad y las estructuras sociales, políticas y artísticas que configuran nuestra percepción del mundo.

Interpretaciones Filosóficas y Metafísicas

Desde una perspectiva filosófica, la instalación puede ser interpretada como una representación de dualidades fundamentales de la existencia. La piedra iluminada podría simbolizar la vida, la verdad, la conciencia o la visibilidad, mientras que la piedra oscura podría representar la muerte, el misterio, el inconsciente o lo invisible. Esta dualidad refleja la interdependencia y complementariedad de los opuestos, concepto que ha sido explorado por filósofos como Heráclito y su idea del "logos" o armonía de contrarios.

Desde una perspectiva metafísica, la instalación invita a reflexionar sobre la naturaleza de la realidad y la percepción. ¿Qué es la luz sin la oscuridad? ¿Qué es la visibilidad sin la invisibilidad? La luz artificial y teatral sobre la piedra iluminada sugiere una construcción artificial de la realidad, una realidad que es moldeada y percibida a través de nuestras experiencias, creencias y sistemas de significado.

La Institución-Arte o el Arte Pensándose a Sí Mismo

La obra también puede ser interpretada como una crítica o reflexión sobre la propia institución del arte y sus prácticas. La piedra iluminada podría simbolizar el arte canonizado, reconocido y promovido por las instituciones artísticas dominantes, mientras que la piedra oscura podría representar el arte marginalizado, subestimado o ignorado, desafiando las narrativas hegemónicas y los criterios convencionales de valor artístico.

Interpretaciones Sociales y Políticas

Desde una óptica social y política, la instalación puede ser vista como una metáfora de las divisiones y desigualdades que caracterizan nuestras sociedades contemporáneas. La piedra iluminada, resplandeciente bajo la luz artificial, podría representar las estructuras sociales, políticas y económicas dominantes que promueven la visibilidad, el reconocimiento y el poder. Esta piedra simboliza los sistemas y las instituciones que determinan quién es visto, escuchado y valorado en nuestra sociedad.

Por otro lado, la piedra oscura, en la sombra y a distancia, podría representar a aquellos individuos, grupos y comunidades que son marginados, invisibilizados y excluidos por estas estructuras dominantes. Esta piedra representa las voces silenciadas, los derechos negados y las luchas ignoradas que persisten en nuestras sociedades.

Símbolos y Significados

La instalación utiliza la simplicidad de las piedras como un lienzo en blanco que invita a múltiples interpretaciones. El contraste entre la luz y la oscuridad, lo visible y lo invisible, crea un diálogo entre opuestos que desafía las dicotomías simplistas y promueve una comprensión más matizada y compleja de la realidad.

La iluminación artificial y teatral sobre la piedra iluminada añade una capa de artificialidad y construcción a la percepción de la realidad, sugiriendo que nuestras experiencias y entendimientos están mediados y construidos por sistemas de significado, interpretación y poder.

Conclusión

La instalación "Piedra iluminada / piedra no iluminada" de Wilfredo Prieto es una obra que invita a la reflexión y la introspección, desafiando al espectador a cuestionar las dualidades y contradicciones inherentes a la existencia humana, la naturaleza de la realidad y las estructuras sociales, políticas y artísticas que configuran nuestra percepción del mundo. A través de su simplicidad y complejidad, la obra se erige como un espacio de encuentro entre el arte, la filosofía, la crítica institucional y las realidades sociales y políticas.

Piter Ortega Núñez

Nueva York, 24 de abril de 2024

Una aventura imperecedera: dos almas hacia otra dimensión

Pablo Rosendo. "Oasis". Dibujo con carbón vegetal, piedra y tejas de techo

Dos muñecos de nieve, de espíritus aventureros, han llegado hasta el poblado de San Cristóbal, en la región occidental de la isla de Cuba. Allí han decidido encender un fuego, y deleitarse con su calor. Se trata de una obra efímera del artista cubano Pablo Rosendo: un dibujo de grandes dimensiones realizado con carbón vegetal, piedra y tejas de techo, sobre las paredes de una presa del pueblo. La pieza es parte de una serie de intervenciones que el artista realiza, cada domingo, en ese sitio.

Ambos muñecos están sonrientes, muestran rostros felices, al parecer disfrutan del momento, de la compañía mutua y el silencio del lugar. Pero, como en casi todas las obras de Pablo, luego de la primera impresión de paz, sobreviene algún detalle que crea una tensión en la escena, una sensación de amenaza. El disfrute de ese fuego traerá consigo, necesariamente, la disolución de ambos cuerpos debido al calor de las llamas. El momento de placer, mientras más prolongado, más se acercará al fin de los cuerpos físicos: el derretimiento de la materia.

Y es aquí donde la obra adquiere una dimensión filosófica. Quizás Pablo nos dice que la verdadera conexión de las almas no necesita de la interacción física, corpórea. Cuando dos espíritus están conectados, la materia carece de transcendencia. En el momento en que se derritan esos cuerpos, la unión de las almas quedará consumada para la eternidad. 

O quizás la obra propone una invitación a disfrutar el presente, el ahora, porque el mañana puede no existir. Un recordatorio de nuestra fugaz presencia en el mundo.

En este punto nos preguntamos por qué, de tantos lugares que existen, esos muñecos de nieve escogieron a Cuba para consumar la disolución de sus cuerpos frente al fuego. El título de la obra es “Oasis”, el cual, en sentido metafórico, significa “tregua, descanso, refugio en las penalidades o contratiempos de la vida” (RAE). Entonces estos muñecos podrían simbolizar un oasis de amor y fraternidad en una isla desolada, malherida, que reclama en silencio la redención. 

Dicen que soñar con muñecos de nieve “es un canto a la ilusión, a la alegría y a las buenas vibraciones” (Laura Sánchez, Diario Femenino: Significado de los Sueños). Por lo tanto, esta obra se me antoja un canto a la esperanza y a la ilusión: la ilusión de una isla llena de gente linda que desea un futuro mejor; la ilusión de un artista que vivió momentos duros en su vida, tocó fondo y ahora se yergue como un campeón; y la ilusión de la vida más allá de la muerte. Porque, lo sé: no importa cuán rápido se derritan esos cuerpos frente al fuego, no importa cuán veloz ocurra la muerte física, la desaparición de la materia. Nada de eso importa. Las almas de ambos muñecos continuarán sus aventuras, seguirán unidas en otra dimensión de la existencia. Acaso una más hermosa. Más imperecedera.

PD: Se ha derretido la nieve y perdura el fuego. Solo la presa y el fuego. Un fuego tan destructor como purificador. 

Se cierra un ciclo. Comienza otro. 

Piter Ortega Núñez

En Nueva York, 14 de enero de 2024

 

Vahid Sharifian: A Shocking Sexual Revolution

The Tail of History, 2020, acrylic on paper

Vahid Sharifian is a visual artist born in Esfahan, Iran in 1982 who moved to the United States 4 years ago and is based in Brooklyn and Los Angeles. His paintings exhibit a strong, aggressive eroticism, bordering on the grotesque character, sadomasochism, intimidation and death. All this with an overflow of imagination that connects with some areas of surrealist aesthetics, where humor and sarcasm are not lacking.

 

The sexual experiences and fantasies of these figures know no limits. Debauchery, perversion, group sex, zoophilia. Men and women seem to be immersed in a sexual revolution where anarchy, chaos and violence shape the most amazing sexual-erotic experiences.

 

As expected, the artist is very popular on social media, and I could see someone asking him if he smokes before starting a painting, to which he replied that he doesn’t.

Taco Tuesday, 2020, acrylic on paper

Most of the subjects in the paintings are female. We must not forget that in the artist's native country, Iran, there are strong prohibitions on women, many of them sexual. Perhaps in his paintings Vahid finds a path of redemption for women, a symbolic way to liberate them. There would then be a sort of feminine rebellion from the space of painting. An unstoppable rebellion.

 

In this regard, the artist told me: “I don't care what is going in Iran but obviously their situation sucks! I even hate thinking about it. I guess growing up in Iran has had an effect on my mind obviously! I don't really want to be featured as an Iranian artist and that's why I never victimized the situation I had in Iran!”

Twin-dicks, 2020, acrylic on paper

But we know that many subconscious processes occur in art. Even when he “doesn't care”, “hates thinking about it” or “doesn't want to be featured as an Iranian artist”, the context weighs heavily. It is a trace difficult to erase, that emerges like a nightmare in our lives. Even more so if you are an artist.

 

Every time I see a painting by Vahid, I wonder what is going through his head, what is the fuel that causes so many amazing stories. Sometimes I am tempted to carry out a psychoanalytic exploration of his works, but I don't dare. Perhaps I fear the result of that interpretation.

The Inside Scoop, 2020, acrylic on paper

For the moment, let's leave it like this: we are before an irreverent, incisive artist, who defies moral, religious norms and puts in crisis any logic associated with sexual and human relations. He takes the sex-erotic experience to the extreme of what our perception would be willing to assimilate under normal conditions. A difficult artist, like all greats.

 

From a stylistic point of view, his work has areas in common with the aesthetics of comics, especially when it comes to the simplicity of the forms. The notions of time/space and the identity marks are frequently absent, giving the pieces a universal character. Animals have a strong presence in the works, usually to accentuate the erotic atmospheres. According to the artist, this interest in the animal world was inherited from his father, also an artist.

Meta for..., 2020, acrylic on paper

Vahid has exhibited at Ropac Gallery (Paris), James Fuentes LLC (New York), Chelsea Art Museum (New York), The Institute of Contemporary Arts (London), The Den Frie Centre of Contemporary Art (Copenhagen), Gwangju Museum (South Korea) and Venice Biennale (2015). His work has also been featured in Artnews, The New York Times, The Wall Street Journal and Art in America, among other publications. He is included in 100 New Artists by Francesca Gavin, published by Laurence King Publishers (2011).

Vahid Sharifian es un artista nacido en Esfahan, Irán en 1982 quien se mudó hace 4 años a Estados Unidos y vive entre Brooklyn y Los Ángeles. Sus pinturas exhiben un erotismo fuerte, agresivo, rozando el carácter grotesco, el sadomasoquismo, la intimidación y la muerte. Todo ello con un desborde de imaginación que entronca con algunas zonas de la estética surrealista, donde no faltan el humor y el sarcasmo más deliciosos.

After Killing the Bed, 2020, acrylic on paper

Las experiencias y fantasías sexuales de estos personajes no conocen límites. Libertinaje, perversión, sexo grupal, zoofilia. Hombres y mujeres parecen estar inmersos en una revolución sexual donde la anarquía, el caos y la violencia configuran las experiencias sexo-eróticas más alucinantes.

 

Como es de suponer, el artista es muy popular en las redes sociales, y he podido ver a alguien preguntándole si fumaba antes de comenzar a pintar, a lo que él respondió que no lo hacía.

 

La mayoría de los personajes de las obras son femeninos. No debemos olvidar que, en el país natal del artista, Irán, existen fuertes prohibiciones a las mujeres, muchas de ellas de tipo sexual. Quizás en sus pinturas Vahid encuentra un camino de redención para la mujer, una manera simbólica de liberarlas. Esta sería entonces una suerte de rebelión femenina desde la pintura. Una rebelión imparable.

Spaghetti Time, 2020, acrylic on paper

Al respecto el artista me comentó: “¡No me importa lo que esté pasando en Irán, pero obviamente su situación apesta! Incluso odio pensar en eso. ¡Supongo que crecer en Irán ha afectado mi mente, por supuesto! ¡Realmente no quiero ser presentado como artista iraní y es por eso que nunca victimicé la situación que tuve allá!” 

Pero sabemos que en el arte ocurren muchos procesos subconscientes. Incluso cuando “no le importa”, “odia pensar en eso” o “no quiere ser presentado como un artista iraní”, el contexto pesa, y mucho. Es una huella difícil de borrar, que aflora como una pesadilla en nuestras vidas. Más aún si eres un creador.

We Knew This Day Would Come, 2020, acrylic on paper

Cada vez que veo una pintura de Vahid, me pregunto qué estará pasando por su cabeza, cuál es el combustible que propicia tantas historias sorprendentes. A veces me siento tentado a realizar una lectura psicoanalítica de sus obras, pero no me atrevo. Quizás le temo al resultado de esa interpretación.

 

Por el momento, dejémoslo así: estamos ante un artista irreverente, incisivo, qué desafía normativas morales, religiosas y pone en crisis cualquier lógica asociada a las relaciones sexuales y humanas. Lleva la experiencia sexo-erótica hacia el extremo de lo que nuestra percepción estaría dispuesta a asimilar en condiciones habituales. Un artista difícil, como todos los grandes.

Scream-shot, 2020, acrylic on paper

Desde el punto de vista estilístico, su obra tiene zonas en común con la estética de las historietas, especialmente en lo que concierne a la simplicidad de las formas. Muchas veces se pierden las nociones de tiempo/espacio y las marcas de identidad, dándole un carácter universal a las piezas. Los animales tienen una fuerte presencia en las obras, por lo general para acentuar las atmósferas eróticas. Según el creador, este interés por el mundo animal lo heredó de su padre, también artista.

 

Las piezas de Vahid han sido exhibidas en Ropac Gallery (Paris), James Fuentes LLC (New York), Chelsea Art Museum (New York), The Institute of Contemporary Arts (London), The Den Frie Centre of Contemporary Art (Copenhagen), Gwangju Museum (South Korea) y en la Bienal de Venecia (2015). Su trabajo ha sido igualmente presentado en Artnews, The New York Times, The Wall Street Journal y Art in America, entre otras publicaciones. Está incluido en el volumen 100 New Artists de Francesca Gavin, publicado por Laurence King Publishers en 2011.

 

A History of Fire, 2020, acrylic on paper

Pablo Lazo: The Power of Imagination in Cuban Social Landscape

"Diet", oil/ wood, 2007

Cuban artist Pablo Lazo (born 1987) lives and works between Los Angeles and Miami. His works, mostly oil paintings, explore the creativity and ingenuity developed for decades as a survival mechanism within Cuban society. To achieve this, the artist uses atypical supports such as bicycle wheels, pieces of wood, among others, creating a hybrid between painting and sculpture. 

One of the fundamental nuclei of this creativity has to do with the energy crisis that Cubans have lived through for a long time, symbolized in a home-made object called “chismosa”, a popular term given on the island to a type of makeshift kerosene lamp that has served to light the homes of many Cubans. “La chismosa” occupies an important place in Lazo's works, in a way that mixes humor with sadness and pain. 

These are works that exhibit a great mastery of pictorial technique while portraying one of the most important characteristics of Cubans: the ability to survive crises thanks to the power of imagination and the strength of a smile. /

"Impediment", oil/ canvas, 2010

El artista cubano Pablo Lazo (nacido en 1987) reside y trabaja entre Los Angeles y Miami. Sus obras, mayormente realizadas al óleo, exploran la creatividad y el ingenio desarrollados por décadas como mecanismo de sobrevivencia dentro de la sociedad cubana. Para ello el artista utiliza soportes atípicos como ruedas de bicicleta, pedazos de madera, entre otros, creando un híbrido entre pintura y escultura. 

Uno de los núcleos fundamentales de esa creatividad tiene que ver con la crisis de energía eléctrica que han vivido los cubanos por mucho tiempo, simbolizada en un objeto de construcción casera llamado “chismosa”, término popular otorgado en la Isla a un tipo de lámpara de queroseno improvisada que ha servido para alumbrar las casas de muchos cubanos. “La chismosa” ocupa un lugar importante en las obras de Lazo, desde una perspectiva que mezcla el humor con la tristeza y el dolor. 

"Middleman", mixed media/ canvas, 2009

Son obras que exhiben un gran dominio de la técnica pictórica al tiempo que retratan una de las características más importantes de los cubanos: la capacidad de sobrevivir a las crisis gracias al poder la imaginación y a la fuerza de una sonrisa.

"Light of Frustration", oil and objects/ canvas, 2009

"Hatuey", 
oil/ wood, 2012

New York, June 12, 2020

Pipa te falta mucho para ser POST_QUEER: La “estética Nazabal”

I'd rather suck my toe than talk with you_Entretente en otra cosa

Jose Angel Nazabal es un provocador nato. De esos que llevan la provocación en la sangre. Sus ilustraciones son una pasarela de personajes donde el pudor queda desterrado y la libertad pasa a ser la medida de todas las cosas. Sujetos que se flirtean entre sí, nos muestran sus enormes genitales, se chupan los dedos del pie en gesto desafiante. En ocasiones hasta nos enseñan algunos fluidos resultantes del acto sexual, de una manera gráfica y perversa. 

Aquí no se puede hablar ni siquiera de arte gay, porque estos individuos están más allá de cualquier etiqueta o clasificación. Especialmente en lo que respecta a género e identidad sexual, las opciones parecieran infinitas. Serían en todo caso sujetos queer, imposibles de aprehender desde los modelos tradicionales de comprensión de la sexualidad humana. 

Los títulos juegan un papel decisivo en casi todas las obras. Algunos como “I’d rather suck my toe than talk with you”, “Pipa te falta mucho para ser POST_QUEER. If you don’t like how I look then leave” o “COME GET YOUR HONEY_I got your honey babe”, dan fe de lo anterior. Es un imaginario donde se establecen numerosas relaciones de poder asociadas a la sexualidad y se narran disímiles historias, las mejores de ellas elípticas, inconclusas. Tal es el caso de “Antes de irte cierra la puerta”. Aquí solo se nos presenta el “después” de la acción, mientras que lo verdaderamente ocurrido queda en el plano de la sospecha o la especulación. ¿Quién vino, y qué hicieron? Es esa la pregunta que permanece en nuestras cabezas como intriga maliciosa. 

Agüita de playa

Un símbolo muy recurrente en las obras es la figura del gato. Este es testigo de las escenas eróticas más insólitas, que incluyen hasta el ámbito íntimo de la ducha. El gato acompaña a los personajes en sus aventuras, pero también en su soledad, en sus derrotas y tragos amargos, cuando los hombres se van, por ejemplo, o cuando nunca quisieron entrar. El gato y un buen cigarrillo parecieran la mejor salida a muchos de los problemas.  

Las obras, mayormente tintas o acuarelas, muestran un zorreo, un cotilleo que las acerca al universo de las dating apps. Una saga salida de Grindr. Así definiría la poética del artista. O al menos así me la quiero imaginar yo. En este sentido el color juega un papel importante. Nazabal es un excelente colorista, y él lo sabe. Lo sabe y lo ostenta. La gama cromática en sus piezas es una delicia, por su limpieza, por la audacia de sus combinaciones y contrastes y, sobre todo, por la manera en que el color tributa a la historia, por el modo en que narra tanto o más que los propios sujetos representados. Especialmente los rojos y rosados. A quitarse el sombrero.   

Camisa abierta y gato. Modernity has failed us

En la obra “Camisa abierta y gato”, el artista nos dice que “Modernity has failed us” (La Modernidad nos ha fallado). Se trata de una pieza autorreferencial, casi una declaración de principios. El personaje representado es el propio artista, fumándose un cigarrillo, con el (su) gato sobre las piernas. Es difícil decidir cuál de las miradas es más inquisidora, la del personaje o la del animal. Nuevamente lo que no alcanzamos a ver en el campo visual encierra el mayor encanto. A la derecha de la obra está toda la magia de la historia, el verdadero misterio. ¿A quién o a qué miran ambos? Quizás sea solo una mirada perdida en la nada, en el vacío; de esas que intentan entender qué hemos hecho con nuestras vidas. Pero no. Sería demasiado ingenuo. Esa camisa no está abierta por gusto. Intuyo que ambos esperan a su “presa”.

Este muchacho es un artistazo. Y hay que seguirle las pistas. A él y a su gato. No queda otra.  

Long legs, blonde hair, pink bath

@gon_dlara salido del Prometeo mal encadenado,
de André Gide

Antes de irte cierra la puerta

      

Cuba: Fatherland or Death. A wrenching examination of an island and its abyss

Patria o Muerte. Cuba: Fatherland or Death, on view at the Coral Gables Art Cinema, is one of those films that you should not miss. This is an excellent documentary on the social, ethical and civic reality of Cuba at this minute. Several individuals who inhabit the Island tell the camera the routines of their daily life, their anguish, their frustrations, their dreams, their truncated illusions. And they do it with admirable honesty and bravery, in a way that it is almost impossible not to shed a few tears. Yes, we are dealing with a deeply human artwork, from which transparent and intense emotions can be breathed, as well as great pain for the lost homeland (a shattered country, sunk in the mire of absolute loss of the most genuine human values).

Bloggers, members of alternative musical bands, a writer rarely published on the Island, a singer, a graffiti artist, a painter, an architect, a transgender, a housewife are just some of the characters that draw a complex and polyhedral landscape, almost surreal, difficult to understand for those who do not live the drama from within.

This documentary is impressive. Shocking and heartbreaking. It is hard to see on the screen the most intimate essence of several generations that have lost all utopias, and live in an immovable present, without a projection of future, without being able to elucidate the "why" or the reason for their existence in the world. This is sad, devastating. It is a Cuba where ethics has become a fairy tale. A country where evasion seems the safest key to success.

And all of the above is presented in a compact script, very well

structured, where nothing is left over and nothing is missing. That is why the 57 minutes of time pass with great speed, without monotony or boredom. Rather the viewer remains eager to see more, much more. Filmmakers handle the virtues of synthesis, ellipsis and tropological subtlety in a prodigious way. Likewise, the movements and degrees of camera angulation, the cuts and changes of planes, as well as the soundtrack, speak of an impressive dominion of the cinematographic trade. Not to mention photography, without doubt full of intelligent and daring visual metaphors, which end up becoming genuine poetry.

There is no political rhetoric in this documentary. What matters here are the lives of the citizens, those anonymous heroes who struggle in the midst of their stormy and harsh everyday reality, while others decided to leave. It is not a democratic model or a political proposal that is the subject of discussion. It is, however, something as simple as a house that collapses before the eyes of a child who does not understand anything, or the indifference of a humble woman who has lost all desire to live, without even understanding the causes of her lethargy.

We are, in short, before a complete film work. A masterpiece that sweats talent and honesty. For my part, I could not contain a single one of my tears. I have cried a lot, yes, when I see my effigy in the mirror.

PATRIA O MUERTE: CUBA, FATHERLAND OR DEATH was directed by Olatz López Garmendia; executive producer: Julian Schnabel; co-producer: Miguel A. Sirgado; cinematographer: Claudio Fuentes Madan; editor: Ismael de Diego. The film´s debut on cable TV will be on MONDAY, NOV. 28 (8:00-9:00 p.m. ET/PT), exclusively on HBO.

Píter Ortega Núñez

Art Critic

Miami, November 2016