martes, 17 de febrero de 2015

Arte cubano en la reconciliación




¿Qué pasará con el arte cubano de ahora en lo adelante? Esa es una pregunta que muchos se hacen a partir del reciente restablecimiento de las relaciones entre Washington y La Habana. Numerosos medios de prensa (incluidos el New York Times y el Washington Post) le han dedicado importantes espacios al tema. Algunos (los más optimistas) estiman que se producirá un nuevo boom del mercado del arte cubano a escala global, y un incremento significativo del coleccionismo interesado en la producción visual que se realiza en la Isla. Auguran un aumento de la gestión privada dentro del sector artístico insular (eclosión de galerías independientes, no gubernamentales; revistas y periódicos privados, etc.), al igual que mayores espacios de debate, libertad de creación y perspectivas críticas.

Conversar con algunas voces autorizadas en el tema nos puede arrojar luces al respecto. Robert Borlenghi, director de la galería Pan American Art Projects de Miami, estima que «a partir de ahora habrá una mayor atención de coleccionistas no cubanos que dará más posibilidades a los artistas de la Isla de ser conocidos». Para el destacado pintor Tomás Sánchez «las ventajas de tipo socio-económico (flujo de familia y/o flujo de capital) aparecen hasta ahora como el escenario más esperanzador para los cubanos de dentro y fuera de la Isla. Para el arte cubano ya existían premisas y privilegios que otros sectores no tenían. No es secreto para nadie cuántas exposiciones y proyectos de Cuba se muestran en EEUU y cómo, también, existen plataformas específicas que han impulsado este flujo: Colección Farber, CIFO, etc. Así que sería regularizarlo».

Otros criterios no son tan entusiastas, y consideran que el asunto puede tener repercusiones negativas para el arte cubano, en tanto este se sumará con más fuerza al proceso de globalización cultural característico del mundo contemporáneo, perdiendo así su identidad. «La situación política de Cuba ha formado por mucho tiempo la inspiración de sus artistas, y este cambio a lo largo va a tener efectos de conformar el arte cubano al del resto del mundo Occidental», afirma Borlenghi. Para el coleccionista radicado en Miami Peter Menéndez, «los efectos de la normalización de relaciones entre ambos países se van a hacer sentir con bastante rapidez en el mercado de arte cubano. Una vez que aquello del fruto prohibido deje de serlo, la producción artística del país será sometida a los criterios vigentes hoy día, esos que se forman en Nueva York, Los Ángeles, Berlín y Londres. La producción habanera, alejada de lo exótico, ¿cabrá en ellos?»

Según algunos, será preocupante el fenómeno de la masificación de artistas y obras (originales y falsas). Al decir de Borlenghi, «va a haber una proliferación de artistas (como si ya no hubiera bastantes) y consecuentemente la calidad media va a bajar. Por no hablar de la inevitable multiplicación de falsos de artistas muertos, que por el momento es un fenómeno generalmente limitado a Miami.»

El factor de los precios de las obras también es otro elemento que, según los especialistas, pudiera estar sujeto a modificaciones en esta nueva etapa. «Se podría decir que hay obra de artistas cubanos –residentes y no en la Isla– que tiene precios mucho más elevados dentro que fuera. Ha existido mucho coleccionismo de “lo exótico”, que en la normalización de las relaciones tendrá otro carácter. Con respecto a la obra con carácter patrimonial que ha llegado a alcanzar altos precios en subastas, especulo que será mucho más difícil poder moverla, ante la  existencia de acuerdos que amparen el patrimonio», nos dice Sánchez, mientras Menéndez nos aclara que «habrá grandes cambios en lo que respecta a la industria de arte creada en La Habana en los últimos años, empresa que al parecer ha establecido una clase económica diferente e independiente dentro de la sociedad cubana, alzando a un puñado de artistas a un estilo de vida de niveles mucho más altos. Hoy en día los artistas cubanos con representación en las mejores galerías de Nueva York son Los Carpinteros, en Sean Kelly. En España está Carlos Garaicoa. Kcho duró poco con Bárbara Gladstone. ¿En los próximos años entrará alguien nuevo a estos niveles?».

Algunos se explican el fenómeno desde su arista política. El curador y crítico de arte Elvis Fuentes piensa que «las incidencias serán matizadas por el cachumbambé político que siempre ha sido el diferendo Cuba-USA. Por lo que se ha visto, la iniciativa, que parecía de común acuerdo, ha pasado a ser unilateral de parte de Obama, pues Raúl Castro ha puesto condiciones que USA no puede cumplir para reanudar las relaciones diplomáticas. Así todo quedará como un gesto de Obama hacia sus conciudadanos, facilitando los viajes y las transacciones comerciales, sin que haya representación diplomática. El efecto será a corto plazo el auge de los viajes de norteamericanos a Cuba y consecuentemente la expansión del mercado para el arte cubano producido en la Isla».

¿Será el arte cubano un vehículo facilitador de la conciliación? ¿O, por el contrario, el fruto de la discordia, el aguafiestas? ¿Se llenará este de conformismo en los nuevos tiempos, o será punta de la lanza para los desafíos que se avecinan? ¿Aumentará o mermará su calidad? Interesantes interrogantes que nos hacen meditar sobre nuestro futuro inmediato, y sobre el papel que desempeña el arte en los procesos de emancipación de los seres humanos y sus pueblos. Por lo pronto, mantengámonos alertas, y no dejemos extraviar la utopía.

(14 de febrero de 2015)

  

Stainless, arte de la Isla en Key West


Dentro del panorama del arte cubano de los últimos diez años, uno de los nombres que sobresale con mayor protagonismo es el del colectivo Stainless (Alejandro Piñeiro, José Capaz y Fabelo Hung), quienes se proyectan desde la Isla y a escala internacional con una seguridad y consistencia admirables para sus cortas edades. Tuve el privilegio de comisariar su primera exposición como grupo dentro del contexto cubano (Centro Hispanoamericano de Cultura, La Habana, octubre-noviembre de 2011), momento en que se hizo evidente su vertiginoso y demoledor éxito artístico, de público, promocional y de mercado. Ahora, 4 años después, me honra reseñar su primera muestra en el ámbito cultural de la Florida: Una mente caótica, The Studios of Key West, Cayo Hueso, 5 al 26 de febrero de 2015.

La exposición se articula sobre la base de cuatro ejes temáticos fundamentales: el erotismo humano en su faceta más desinhibida y burlesca (“Occidente con esteroides”, “Passion Gone Wild”); la desacralización de emblemas distintivos de determinados centros de poder, a través de la sátira y el sobredimensionamiento del kitsch (“Capitolio”, “Amor al rojo”, “Laureado”); la megalomanía y el efecto psicótico/paranoico de las grandes campañas publicitarias a escala global (“Cosmos”); y el proceso de mundialización del proyecto de Occidente como un destino manifiesto, infalible (“La escuela de Atenas”).

Sin duda la obra maestra de la muestra es “Cosmos”. Aquí los autores nos presentan una foto de once mil estrellas en el espacio –imagen que se apropiaron de la INTERNET–, a la cual decidieron realizarle una intervención radical: todos los astros fueron sustituidos por marcas publicitarias de grandes empresas transnacionales (McDonald´s, Nike, Apple, Microsoft…), labor titánica de tres meses de arduo trabajo en Photoshop. ¿Qué nos querrán decir los artistas con esta metáfora? Probablemente nos recuerdan que vivimos en un mundo frívolo, de puras apariencias, donde importan más la imagen y la representación de las cosas que las cosas mismas. Un universo donde lo virtual ha terminado desplazando a la realidad toda. Un mundo de puros fetiches, en el que todo se piensa, en primera instancia, en función de su construcción mediática. Vestimos para satisfacer las expectativas de los demás antes que las nuestras. Compramos el arte que está de moda, nos guste o no. Manejamos el auto más publicitado, no necesariamente el que nos agrada más. Nos enamoramos por Facebook. Tenemos sexo por Skype. La vida es puro simulacro, un gran teatro en el que el objeto ha quedado anulado ante la avalancha de imágenes que intentan vendérnoslo. Eso nos dice esta bella pieza.

Otro trabajo interesante dentro del conjunto es “Capitolio”, el cual nos presenta a la célebre edificación habanera desde una visualidad muy cercana a la de un gran cake, presto a ser degustado. En este caso se intenta desmitificar el histórico símbolo por medio del humor y el sarcasmo. Si el Capitolio de La Habana es un gran dulce, quizás la ciudad toda sea una gran piñata, un enorme parque de diversiones donde miles de arlequines y trapecistas habitan el pasatiempo de la eterna cuerda floja de sus vidas.

Entretanto, un lienzo de la serie Passion Gone Wild nos muestra seis lenguas gigantes que se besan entre sí a la manera de una gran orgía, como explicitando un sistema de valores desprejuiciado, licencioso. Recordándonos que nuestros artistas son unos gozadores, unos locos de la vida, que saben vivirla hasta la saciedad. Obra de una factura impecable, donde todos los dispositivos formales (color, líneas, composición) fungen como catalizadores o agentes de activación de la libido. Yo la quisiera en mi cuarto, la verdad.

Pero las anteriores no son las únicas propuestas de impacto dentro de la exposición. En Una mente caótica todas las obras exhibidas son clásicos. Esta es una de esas exposiciones que marcan pautas, desafían horizontes de expectativas.

Stainless llegó a la Florida. Ya no habrá quien los pare.       

(14 de febrero de 2015)



  

El arte es breve, la vida es infinita


Desde el pasado 1ro de diciembre y hasta el próximo 15 de febrero se exhibe en la galería KaBe Contemporary de Wynwood una muestra personal del destacado artista venezolano radicado en Barcelona Meyer Vaisman (En las inmediaciones de la Historia, 5774). Debo confesar que la expo me sorprendió grandemente, por el misterio que la encierra. Lo primero que llamó mi atención fueron las fechas colocadas por el artista en cada obra, para indicar su año de realización: 5773, 5774…, obviamente alusivas al calendario hebrero. Luego, comienzo a ojear varios catálogos del artista en la galería, y descubro que, mientras que esta muestra en KaBe tiene una estética cuasi abstracta, el creador había transitado anteriormente por etapas bien figurativas. Le pregunto al especialista al frente de la galería si Vaisman tenía orígenes judíos, y me responde que sí, y que además desde hace algún tiempo se había convertido en un ferviente devoto y practicante del judaísmo. Entonces lo comprendí todo.

Entendí por qué la inclinación a la abstracción, el alejamiento del mundo de las imágenes. Y comencé a comprender también otros muchos símbolos. Por ejemplo, la muestra está llena de huellas dactilares y firmas del artista magnificadas, lo que pone al descubierto un interés manifiesto por parte del autor hacia al acto de redefinición y conceptualización de su propia identidad. Y ya sabemos que el fenómeno de lo identitario es uno de los tópicos más cardinales de la cultura y la religión judías. También me pude percatar de que las obras estaban pintadas como al revés, cual si se tratase de un gran espejo en el que se proyectan las representaciones. El artista intenta invertir todo aquello que atañe a los roles establecidos por la lógica común. La célebre frase “Ars longa, vita brevis”, nos la presenta también en sentido inverso: “Ars brevis, vita longa”. La vida no es breve, sino eterna, nos dice. Frase con la que podemos aprehender su cosmovisión, su entendimiento del universo, de la creación y de nuestra misión en el mundo.

Igualmente curiosa me resultó la rusticidad y el carácter fabril de las obras expuestas. Estas son pinturas atípicas. Aquí no se usa pincel ni nada por el estilo, y ni siquiera el artista participa del acto de creación. Él no toca las obras. Las encomienda a un procedimiento industrial de inyección de tinta sobre la madera, dando como resultado trabajos de una visualidad bien perturbadora, enigmática. ¿Por qué será que el autor decide no participar en la realización de las piezas? ¿Tendrá ello algo que ver con sus procesos de fe? Ahora mismo no me viene una respuesta clara a la mente. Pero la muestra me intriga, me inquieta. Me ha hecho pensar en ella por varios días. Y ese es un síntoma muy alentador, en estos tiempos en que pensar resulta tan ajeno, tan inaudito.

(7 de febrero de 2015)


Cuando la ética importa más que la estética



Arquitecturas afectivas es el título de la más reciente exposición que exhibe Aluna Art Foundation (Miami) desde el pasado diciembre, y que podrá ser visitada hasta el 21 de febrero de 2015. Integrada por 24 artistas procedentes de México, El Caribe, América Latina y España, y comisariada por Adriana Herrera y Willy Castellanos, la muestra aborda como tema central problemáticas relacionadas con la arquitectura, el urbanismo y su representación en el arte. Pero la mirada no se enfoca en el aspecto físico, y mucho menos descriptivo, sino más bien en las derivaciones emotivas/espirituales que definen a las ciudades y sus construcciones como entes vivos, como reservorios de historias pasadas y presentes, donde se acumulan sueños y desvanecen esperanzas. Los creadores implicados en el proyecto se valen de la memoria afectiva como recurso para dialogar con aquellos núcleos arquitectónicos o urbanos de donde proceden, por donde han transitado, o adonde han arribado. La mayoría de las obras evidencia un interés común: la crítica o deconstrucción de los grandes paradigmas de la arquitectura moderna, especialmente en relación con el fracaso de sus narrativas y gestos utópicos.

Un primer elemento a favor de la muestra es su enorme variedad, ya sea en cuanto a geografías, edades, técnicas, estilos, formatos, manifestaciones artísticas... En lo que respecta a estas últimas, hay de todo en la exposición: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura, instalación, videoarte, en todos los casos hilvanados desde una museografía de altos quilates, que apuesta por la experimentación, la fragmentación y descentramiento del montaje, el predominio de fuertes diagonales en la visualidad, con su consecuente desestabilización de los esquemas ortogonales. Asimismo, resulta bien significativa la presencia de nombres frescos, caras bien jóvenes, en muchos casos de artistas emergentes recién llegados a la ciudad de Miami, y que intentan comenzar una vida nueva por estos lares. A Aluna... no parecen interesarle los grandes nombres, las firmas consagradas, legitimadas. Es en este sentido una institución antihegemónica, que apuesta por el riesgo, por aventura de lo ignoto. En su trayectoria como fundación, nos podemos percatar de que su interés no es solo estético, sino también filantrópico, profundamente humano. Lo cual es una razón más que suficiente para el agasajo, en estos tiempos de tanta mezquindad y egoísmo.

Me gustaría comentar todas las obras, una por una. Pero el espacio es un enemigo inclemente. De modo que no me queda de otra: jerarquizaré. Y debo admitir que una de las obras que más me atrajo, por su pericia técnica y de sentido, es aquella titulada “Paradiso Nº 1”, del dúo de creación Atelier Morales. Aquí se nos presenta un fragmento del malecón de La Habana, con una alteración morfológica fundamental: su superficie de cara al mar ha sido trocada en los célebres Acantilados de Normandía, del norte de Francia. El espacio de lo real es transformado en el sendero de la quimera, en la plaza del ensueño y la fantasía. El arte es empleado acá como vehículo de redención simbólica, ficcional, esa que cree que un mundo mejor es posible (aunque no sé si probable).

También reveladora se me antoja la escultura “Lamento”, del mexicano Gonzalo Lebrija. En ella observamos a una figura masculina, cabizbaja y recostada contra una pared blanca, en una postura que delata aflicción, pena. De inmediato nos viene a la mente la interrogante: ¿a qué se debe el desconsuelo de este personaje? Y la respuesta parece ser muy clara según los testimonios del autor: se trata de una actitud de protesta, un llamado de atención sobre su ciudad, Guadalajara, y en lo que esta se ha convertido, debido a la acción irresponsable de los seres humanos. Bella pieza, en definitiva, portadora de una dimensión ética bien recia.

El resto, amigo lector, se lo dejo de tarea. Créanme, hay muchas obras meritorias, tremendamente hermosas. Un recorrido que les cambiará la vida.

(31 de enero de 2015)

  


Juan Roberto Diago, antropología y sociedad

Hasta el próximo 28 de febrero se exhibe en la galería Pan American Art Projects de Wynwood (2450 NW 2nd Ave, Miami) una sugestiva exposición del joven artista cubano Juan Roberto Diago (La Habana, 1971), integrada por un conjunto de lienzos de mediano y gran formato, en todos los casos con predominio de técnicas mixtas en los procesos de realización.

Diago es uno de los creadores más exitosos del contexto plástico cubano de los últimos veinte años, cuya obra se ha distinguido por una fuerte dimensión antropológica y social, desde la que ahonda en el universo del sujeto de la raza negra, sus creencias religiosas, su entorno arquitectónico y urbano, sus utopías y frustraciones, los prejuicios que le circundan, etc. Los trabajos del artista han estado inscritos en la vertiente estilística del arte povera (movimiento nacido en Italia, basado en el empleo de materiales pobres, naturales, de desecho). Su operatoria se ha basado mayormente en el reciclaje y la apropiación de elementos abandonados por el ser humano, deteriorados por el uso de este y por el paso inexorable del tiempo, entiéndase trozos de madera, bambú, botellas de plástico, metales oxidados... Ha realizado una suerte de arqueología de la memoria, al recontextualizar materiales y objetos que tuvieron una vida previa, y que entran por tanto al mundo del arte cargados de energía e historia.

La exposición que nos ocupa hace parte de un visible giro estético que ha venido experimentando la poética del autor en los años recientes (especialmente desde su exhibición en la galería Magnan Metz de Nueva York en octubre 2012); giro relacionado con una tendencia cada vez más creciente hacia el minimalismo y la síntesis narrativa, hacia la depuración formal. Alejado de toda iconografía figurativa, esta vez Diago se nos presenta ya no coqueteando con la abstracción, sino completamente inmerso en esta orientación estética, a través de obras donde los procedimientos del collage y el ensamblaje devienen cardinales. Es así que se vale de pedazos envejecidos de telas para recrear superficies donde el valor de lo táctil y la densidad de lo matérico se tornan poderosamente seductores. Obras que constituyen una incitación al roce, al escrutinio manual, íntimo.

En cuanto a la gama de colores, predomina la acromía total: solo blanco y negro en sus distintas degradaciones de valores. Todo ello en medio de composiciones bellísimas, donde uno siente que nada sobra y nada falta. La distribución interna de las áreas, las líneas estructurales y demás espacios de representación ostentan una elegancia y efectividad francamente envidiables. Diago es un maestro del oficio, no nos quepa la menor duda.

Muchos se preguntarán dónde se encuentra “lo racial” en medio de estas telas abstractas, pues a simple vista no hay asociaciones evidentes, dada la supresión de anécdotas o narraciones directas. Y es que en estas piezas el mundo de la negritud es evocado no desde determinados motivos o íconos puntuales, sino desde las derivaciones simbólicas y metafóricas de los materiales empleados. De ahí que las superficies ásperas de algunos cuadros nos hagan recordar los queloides, esas cicatrices pronunciadas que sobreviven como testigos presenciales de las heridas sobre la piel negra. El artista no ha renunciado a su tema de siempre, solo que intenta ser menos frontal y más elíptico, tangencial. Lo cual se agradece, en tanto oxigena su trayectoria creadora, la refresca.

Otro elemento a favor de la muestra es la solidez de su concepción curatorial y museográfica, algo que distingue habitualmente a los proyectos de la Pan American Art Projects. La efectividad comunicacional del montaje, los sistemas de iluminación, la altura y distancia entre las obras, así como la inteligente narratividad lograda con la secuencia de lienzos integrados armónicamente al espacio, convierten a esta exposición en una visita obligada para los amantes del buen arte.

Así que no se lo piense. Wynwood le espera, una vez más...   


(24 de enero de 2015)

miércoles, 15 de mayo de 2013

El peso de una isla en el amor de un pueblo. Sobre el arte performático de Carlos Martiel




(…) Si tú pudieras formar de nuevo aquellas combinaciones,
devolviéndome el país sin el agua,
me la bebería toda para escupir al cielo.
(…)
Me he puesto a pescar esponjas frenéticamente,
esos seres milagrosos que pueden desalojar hasta la última gota de
    agua
y vivir secamente.
Esta noche he llorado al conocer a una anciana
que ha vivido ciento ocho años rodeada de agua por todas partes. (…)

“La isla en peso”. Virgilio Piñera


Dentro del panorama del performance cubano actual un nombre que se torna ya imprescindible es el del joven Carlos Martiel Delgado Sainz (La Habana, 1989), cuyas acciones resultan particularmente provocadoras por la manera tan audaz en que comprometen su propia salud física y mental, desde gestos que parten de la autoflagelación y el sacrificio como productores de sentido. Generalmente hay un momento del desarrollo de la obra en que el artista pierde el control sobre su cuerpo y su destino futuro, para quedar sometido a los designios del azar, del entorno, de los “otros” (entiéndase colegas, extraños, transeúntes ocasionales). Pensemos en una acción como “Marea”, del año 2009, en la que el creador permanece enterrado hasta el cuello en las arenas de la playa capitalina La Concha, por un margen de 2 horas, a la espera de la subida de la marea, con lo cual pone en riesgo su vida. Martiel parece recordarnos que nuestra relación con el mar está signada por la tragedia, la colisión, la pérdida. Esperar la llegada del mar en un acto de naturaleza suicida, no puede dejar de estar asociado a un discurso sobre la emigración insular, esa que hoy nos parece un tópico harto manido, pero que aún continúa teniendo suma vigencia, en tanto numerosas vidas continúan dependiendo de la suerte del intento. El mar podía decidir en esas dos horas la existencia toda de Carlos, tanto como ha decidido históricamente la de muchos cubanos que han padecido el desarraigo. La pregunta interesante sería por qué un joven que no pasa de los 24 años de edad decide autocastigarse, entregarse a una penitencia que simula ser fruto de las lógicas del absurdo, pero que en realidad deviene estrategia consciente de sumisión, de laceración individual, de enajenación y carencia de utopías. Quizás esa sea su forma de protestar ante una sociedad que estima decadente, sórdida.

Otra obra que guarda relación con el tema migratorio es “Adonde mis pies no lleguen” (2011), en la que el performer es sometido a la inyección de un anestésico que lo hará luego desfallecer en su afán de emprender la marcha encima de un bote, cual huida que conduce a la redención. Aquí resulta reveladora la complicidad del enfermero al hacer su parte en la obra, desde el clandestinaje y la ilegalidad que supone la incorporación de una sustancia sedante sin previa consulta y aprobación médica. Sin embargo, es evidente que al creador no le interesa denunciar dichas irresponsabilidades en el orden social; no creo sea esa su intención. Antes, prefiere ahondar en la pérdida del control individual sobre nuestras acciones, o sobre el modo en que ciertos empeños de traslación son obstruidos por la fragilidad de algunas voluntades. La contraposición de significados entre el objetivo mismo del desplazamiento, y el efecto paralizador de la sustancia suministrada, le otorga a la pieza un atractivo sui generis, francamente perturbador.

También medular me resulta “Corpus Cristhi” (2009). Efectuado en Galería Habana, en el contexto de la Décima Bienal de La Habana, en este performance Martiel se presenta desnudo ante el público (como es habitual en la mayoría de sus acciones); con un plumón marca la heridas existentes en su cuerpo, ya cicatrizadas, y luego las reabre con una cuchilla. Recuerdo que ese día en Galería Habana me sentí fuertemente impresionado por la valentía de la propuesta, y por la dimensión simbólica de esa sangre derramada por el cuerpo del artista. Los procesos de sanación y apertura de las heridas son cíclicos; ninguna fisura o lesión está cerrada de manera definitiva, sino más bien sometida a los vaivenes de la historia. Toda rehabilitación es aparente: detrás vendrán luego nuevas grietas. Cristo se inmoló por una humanidad deteriorada, derruida, que pedía a gritos la salvación. Martiel hace lo mismo en un país en sombras, en penurias, al borde de numerosos abismos.
En “Dejarse llevar” (2009) es un caballo quien decide el rumbo a seguir, mientras el artista permanece tendido e inmovilizado sobre este, amarrado con cuerdas a sus extremidades inferiores y tórax. Pensar en la simbología del “caballo” en el imaginario popular cubano, en relación con nuestro universo político, implicaría una lectura en extremo simple y vulgar. Prefiero pensar en esos instintos animales que todos tenemos incorporados, y en lo cercanos que estamos de ese reino del que provenimos de manera irremediable, por más que el raciocinio y el pensamiento lógico se empeñen en afirmar nuestra superioridad. Esta vez se invierten los roles habituales: es el animal quien nos somete, quien nos subyuga, en un gesto en el que sentimos minimizada nuestra condición hegemónica.

Si bien las anteriores son obras sólidas, una de las acciones que estimo más contundentes dentro de la trayectoria del artista es “El cuerpo del silencio” (2009), efectuada en el jardín de la escuela de música Alejandro García Caturla. Aquí la acción consistió en atravesar un rosal desnudo, con las numerosas heridas que ello supone para el cuerpo. Es sin duda estremecedor el gesto: de un espacio tan sublime como el rosal, el creador escoge el costado más duro, el de las espinas y la violencia física. Antes que el perfume de las rosas, prefiere las secuelas del dolor. Antes que la bondad de los olores y la suavidad del pétalo, la textura agreste del aguijón. Se trata de una pieza tierna en la medida en que es descarnada; bella al tiempo que punzante. ¿Para qué fingir que habitamos la fragancia de las rosas, si tenemos las espinas bien clavadas en el alma? Basta ya de aromas simuladas, cuando el hedor espiritual y el malestar colectivo nos invaden por doquier. Ese es probablemente el mensaje que nos transmite Martiel con esta soberbia obra.

También en la Décima Bienal, y en Galería Habana, tuvo lugar “Integración” (2009), en la que el artista coloca excrementos sobre sus ojos y luego comienza a lamer el suelo de la galería. Justo cuando el tema de la bienal era “Integración y resistencia en la era global”, Martiel nos propone la integración como obediencia, como rendimiento y humillación. En el statement de la pieza, el creador apunta: “Solo basta con degradar una visualidad por demás marginada e intentar integrarse a la infranqueable realidad. Son los marginados sociales sujetos carentes de orgullo propio”. Con lo cual es evidente que pudiera haber una reflexión relacionada con la suerte del otro cultural (categoría en la que clasifica el artista por partida triple: racial, geográfica y socio-política). Asimismo, se hace patente un comentario mordaz al interior de la propia Institución-Arte, sobre todo en lo que atañe a sus mecanismos dominación y servilismo. Deslizar la lengua por el suelo de un sitio tan legitimador como lo es Galería Habana, equivale a reconocer la persistencia del arribismo y la adulación como prácticas comunes de inserción en el séquito de los elegidos. Una estrategia efectiva que permite, a aquellos que habitan el margen, transitar de los resquicios de la periferia a las bondades del centro.

En relación con el elemento racial y el posible eje de reflexión en torno a este, se ubica igualmente la acción titulada “Sabiduría”, del año 2007. Esta vez el creador se coloca sobre el jardín de la Academia de Artes Plásticas San Alejandro y, encima del césped, dibuja con su boca –desenterrando la hierba– un símbolo que, según nos indica, “para la tribu africana de los Mali representa la sabiduría”. Propuesta de una dimensión fuertemente antropológica, que se degusta con agrado por su perspicacia. ¿Qué conexión pudiera existir entre el símbolo de cognición y la postura animal (cuadrúpeda) en que el artista acomete la acción? ¿Qué nos quiere transmitir el creador? ¿Que allí donde Occidente ve primitivismo y animalidad se transparenta una forma otra del saber, no menos auténtica? ¿O estamos ante una metáfora de lo gnoseológico como indocilidad, como intransigencia? No me queda muy clara la respuesta; no obstante, la obra me intriga, y eso es suficiente para amarla.  

En la Oncena Bienal de La Habana, Carlos participó ya no con obras dentro de un proyecto colectivo (como fue el caso de sus intervenciones en la Décima Bienal), sino con una muestra personal en el importante Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, lo cual obviamente supuso para su joven carrera un punto decisivo de inflexión, muy para bien. La expo llevó por nombre Simulacros, y estuvo integrada, de un lado, por cuatro documentaciones en vídeo que registraban respectivamente igual cantidad de acciones del artista, y, de otro, por una actuación in situ, sobre la cual me detendré por su impacto, titulada “Hijo pródigo”. En este caso el artista clavó sobre la piel de su pecho cinco medallas pertenecientes a méritos de su padre, con lo cual nos está indicando que los verdaderos lauros se portan en la carne, bien adentro, y no sobre el resguardo simbólico de una vestimenta alusiva a las instancias de poder. Los méritos y logros son parte de una esencia muy íntima, no de un gesto aparencial, de ostentación que encubre carencias. El hijo pródigo le dice esta vez al padre que una medalla ha de portarse con orgullo pero también con la marca irrevocable del dolor; el resto es demasiado fácil, no vale. Y no puedo evitar (sé que estoy viciado por el contexto y sus manías localistas) leer en el número cinco cierto aire de cinismo. Ese dígito forma parte ya de un acervo cultural y socio-político del que no podemos zafarnos tan fácilmente. Me resisto a pensar que el hecho de escoger justo esa cantidad de medallas haya sido fruto del azar y la impremeditación. Carlos no es nada ingenuo.

Injusto sería si no apunto la cardinal influencia que desde el punto de vista pedagógico y artístico desempeñaron Tania Bruguera y su Cátedra Arte de Conducta sobre los inicios de la carrera de Martiel, quien fue egresado de dicha experiencia docente, al igual que otros un tanto mayorcitos, aunque también muy jóvenes, como Javier Castro, Reynier Leyva, Grethell Rasúa, Celia & Junior, Jeanette Chávez, nombres ya insoslayables a la hora de historiar el arte cubano de los últimos diez años. Oportuno sería entonces seguirle el rastro a este novel artífice del arte cubano del performance, alguien cuya fidelidad a las artes de acción procesual se torna doblemente loable, en estos tiempos en que el mercado lo invade y lo decide todo (o casi todo). Un creador cuya fibra ética le permitiría, con Virgilio Piñera, soportar sobre sí el peso de su Isla (el peso de una isla en el amor de un pueblo).
 

martes, 24 de abril de 2012

Sobre un “fantasma” peligroso


 
Recientemente llegó a mi buzón de gmail el siguiente mensaje, enviado a Diversidad Sexual del CENESEX por un señor llamado Alfonso Chacón Martin. Por su gravedad, lo reproduzco a continuación, y posteriormente les ofrezco mis consideraciones al respecto:

De: Anfonso Chacon Martin [mailto:Anfonso@trdcaribe.co.cu]
Enviado el: miércoles, 18 de abril de 2012 12:33
Para: Diversidad Sexual CENESEX
Asunto: RE: Opinión
Los locos dicen que no están locos, los presos dicen que son inocentes, los alcohólicos que no lo son, los ladrones que están luchando, los enanos que el perfume bueno viene en frasco chiquito y así un sin número de justificaciones hasta llegar a que la homosexualidad es normal. Según documentales en Pasajes a los desconocido son alteraciones metabólicas reales que hacen que un individuo tenga más o menos hormonas femeninas o masculinas y por consecuencias la atracción de a uno u otro sexo; esto es a grandes rasgos la explicación de lo que ahora llaman orientación sexual. La naturaleza es sabia y nos hizo diferentes para evolucionar en la especie si ella hubiera querido satisfacer las necesidades enfermizas de unos y las aberraciones de otros nos hubiera hecho iguales. No me importan las relaciones homosexuales de los individuos que así se manifiesten con el respeto que exige la convivencia social, o ¿es que tiene un menor de edad ver lo que el CENESEX llama relaciones normales en todos los medios?
Esta relaciones es necesario que se entienda que son COMUNES pero no son normales, normal es la naturaleza, o es que ven normal los compañeros y compañeras del CENESEX la pedofilia, al paso que van las interpretaciones y la exagerada y continua manifestación de homosexualismo para la aceptación de la sociedad, que si se ve enfermizo ese trabajo de divulgación. Ya olvidaron el niño hace mas lo que ve hacer que lo que dicen que haga, si los niños de escuelas y círculos ven estas manifestaciones groseras de amor homosexual en la calle y alguna que otra justificada por la profesionalidad del padre o la madre en la casa o en casa del vecino, estamos orientando o incitando a esos pequeños a que satisfagan sus necesidades sexuales con lo que tengan a mano pues a esa edad que entienden ellos de lo que hablan los Master, Licenciados, Premios Nóbel, Doctores, que lo que están defendiendo son más fantasías sexuales que espiritualidades. Creo que deben llamarse a capítulo, aceptación es capacidad interpretativa de los sucesos comunes, NO VENDER COCACOLA, LA Revolución necesita de la voluntad y sacrificio de los hombres y mujeres que cada día piensan en dar lo mejor de ellos para todos y a esos no hay que miran que orientación sexual tienen para aceptarlos.
Conozco profesionales homosexuales que esa propaganda a ellos les da más vergüenza que otra cosa y he visto homosexuales que denigran el trabajo que Uds. hacen, es una vergüenza para la sociedad y la revolución, creo que tienen la tapa de la caja de Pandora en la mano, busquen o hagan estadísticas se los recomiendo.

Cuando leí este mensaje, y descubrí semejantes desatinos, pensé que lo mejor era no hacer caso de tales ignorancias, y no perder mi tiempo contestando un criterio de sabor medieval. Sin embargo, he decidido escribir estas reflexiones por una razón muy precisa, y es que desgraciadamente esa no es solo una opinión aislada y puntual, sino que se hace eco de muchos prejuicios que todavía subsisten en nuestra sociedad en relación con el tema, y que sostienen aún muchísimas personas, aunque a veces nos duela reconocerlo.

Lo primero que me queda clarísimo a simple vista es que este señor tiene delante de sí un gran fantasma que le perturba, un temor a constatar su efigie en el espejo, y descubrir un “otro yo” que se niega a aceptar, porque le causa pánico. De ahí que asuma como estrategia la de satanizar públicamente esa orientación que debe esconder a toda costa. Atacar en público dichas inclinaciones del deseo, equivale a reforzar esa virilidad y hombría que no descansa sobre bases muy seguras, y por tanto necesita ser gritada a los cuatro vientos. Eso está clarísimo: detrás de un extremista se esconde un oportunista. Ya lo han dicho muchos estudiosos del tema: la homofobia no es más que el temor a ser descubierto.

Resulta curioso cómo todavía, a estas alturas de la vida, se sostiene que la finalidad última de la unión entre dos personas es la reproducción, para garantizar así el “mantenimiento de la especie humana”. Me parece ridículo tener que hablar de esto en pleno siglo XXI, pero no me queda otra. Cuando dos personas deciden unirse, el móvil de esa unión es alcanzar el amor, la felicidad, el placer físico y espiritual; la reproducción es solo la consecuencia de ese amor, nunca el fin en sí mismo. Es justamente esa una de las cualidades que nos diferencian del resto de los animales (o al menos de la mayoría de ellos).

Las palabras de Alfonso están ancladas en un concepto de familia que resulta esquemático, primario y simplificador, y deriva de esa noción patriarcal, heteronormativa, falocéntrica, misógina y homófoba, según la cual un hombre y una mujer se casan, viven juntos y dejan detrás una descendencia. ¿Acaso un hombre y una mujer que no logren tener hijos, no podrán nunca constituir una familia?

Pero lo más alarmante es la noción de las “alteraciones metabólicas”. Es obvio que en la orientación sexual influyen factores de tipo cultural, social, antropológico, psicológico e incluso biológico. Y teniendo en cuenta este último, es claro que pueden haber determinaciones hormonales de un tipo o de otro. Pero de ahí a llamarle “alteraciones” a estos condicionamientos hormonales, va un buen trecho. La palabra “alteración” implica que se establece una comparación con un supuesto modelo de “normalidad” o de “orden”, y ese paralelo es muy peligroso, por fascista y excluyente. ¿Qué es lo “normal” y qué no lo es?, y ¿sobre la base de qué criterios de sostiene tal clasificación? Hace mucho rato que la homosexualidad dejó de tener una connotación patológica/clínica, y se entiende como una orientación legítima del deseo, como parte de una diversidad que desborda cualquier esquema. Se trata simplemente de una cuestión de elección personal, que no debe molestar ni afectar a nadie en tanto concierne a la intimidad de dos. Que una actitud sexual impúdica en público resulta desagradable, estoy de acuerdo, pero lo es tanto entre dos gays como entre dos heterosexuales. La cuestión tiene que ver con un problema de educación y respeto al otro, con nociones elementales de convivencia en sociedad, pero no con la preferencia sexual.

Estoy cansado de escuchar el criterio de que los niños no pueden “ver”, no deben “oír” sobre el asunto, como si se tratara de una epidemia que se contagia. Un amigo que trabaja en el ICRT me contaba cómo a propósito de algunas telenovelas cubanas que han abordado el tema de relaciones homoeróticas, llegaban a la televisión muchísimas cartas de personas irritadas porque “los niños podían ver eso”, y era algo que les preocupaba. Creo que aquí el prejuicio sale a flor de piel, se hace más que evidente. Si se debe esconder algo a los pequeños, o no hablar de eso, es porque ese “algo” se considera reprobable, o porque lo entendemos como una opción que nuestros hijos no deben elegir, y por tanto hay que evitársela a toda costa, para que no se enfrente con ella. Y yo me pregunto, ¿por qué? ¿Por qué a los padres no les molesta que sus hijos vean una escena de amor heterosexual en las telenovelas? ¿Por qué en esa dirección no hay cartas ni protestas? Pues porque resulta el “modelo a seguir”, el “patrón de lo correcto”. Sus hijos cuando adultos deberán seguir esa conducta, porque es “lo natural”, y entonces es bueno que la vean reflejada en pantalla. Lo que se salga de ese esquema no debe ser visto. Con ello se está imponiendo a los pequeños una heterosexualidad forzada, que no necesariamente resultará de una elección personal que parta de la diversidad, sino que estará fuertemente condicionada por una voz sociocultural y familiar que dicta las pautas a seguir de manera irremediable. Entonces vendrán en la adolescencia las primeras novias, pero luego ese joven escogerá su propio camino, y sabrá enfrentarse a los “cánones”, hacerlos añicos. Se dará cuenta de que toda norma no es más que el pretexto para su propia infracción (Jan Mukařovský). Pero dicho proceso de autorreconocimiento resulta muchas veces duro, traumático, pues en ocasiones el joven tiene el prejuicio homofóbico enraizado en su propio sistema de valores, y despojarse de él no le es tan fácil. Sería algo así como la homofobia desde la homosexualidad.

Para aquellos jóvenes cuya orientación termina siendo auténticamente heterosexual, el prejuicio les impedirá muchas veces entablar vínculos de amistad con aquellos que poseen una orientación diferente. Y para los que decidan amar a las personas de su mismo sexo, será duro el enfrentamiento con la homofobia familiar y social imperante. Y son justamente algunos padres los que hacen que sea más doloroso este proceso, al ocultar el tema desde la niñez, al decidir no “hablar de eso”. Muchas veces son ellos los responsables de que sus hijos sufran, de que no tengan la valentía suficiente para asumir su sexualidad con dignidad, o de que alimenten un sentimiento de culpa de por vida. Sentimiento que tiene su germen o su base en la niñez, al satanizar los adultos, delante de los pequeños, algo que estos deberían entender o aprehender como libre elección.

Por más que se obligue al niño a jugar a la pelota y a practicar boxeo, se le enseñe a “cogerle la boca” a la vecinita, porque eso es “cosa de hombres”, o se le diga “que los hombres no lloran”…, por más que todo eso ocurra, repito, nada va a impedir que ese niño cuando adulto escoja la orientación sexual en la que se siente más a gusto. Todos esos estereotipos lo que hacen es demorar más el proceso, pero nunca impedirlo.

Pienso entonces que lo más saludable es dejar que el pequeño vea la escena de las dos lesbianas o los dos gays que se aman en la telenovela, o que andan de brazos en la calle. Como mismo deben ver que esto ocurre entre un hombre y una mujer. Así entenderá desde chico que la diversidad es legítima, y aprenderá a respetarla, y por tanto a respetar sus auténticas orientaciones del deseo. Cuando pregunte, se le explica que como mismo mamá está con papá, es posible que tío esté con un amigo al que ama, porque así es feliz, y no hay nada más importante en este mundo que la felicidad. De este modo ese pequeño crecerá sabiendo que existe un abanico de posibilidades bien amplio, y solo él decidirá, sin imposiciones, cuál es el camino que quiere para sí cuando sea adulto. El mismo error sería si viviéramos en una sociedad donde la mayoría fuésemos homosexuales, y nos molestara que nuestros hijos vieran una escena de amor hetero en pantalla. Ambos son extremos inquisitoriales.

Impedir que el niño vea una escena gay, o que juegue con el vecino porque “está flojo”, se convierte en un conflicto tan grave como el que implica que el padre le diga “no andes con fulano porque es negro”. Todas las formas de exclusión son muy nocivas.

Me temo que la caja de Pandora la ha abierto usted, señor Chacón, en tanto ha puesto al descubierto y ha hecho públicos su fobia, su odio visceral, sus temores, sus “secretos”. Por suerte la sociedad cubana está cambiando, y entre esos cambios se ubica el hecho de que cada día aumenta mucho más su cultura en materia de entendimiento y aceptación sexual, gracias en primer lugar a la encomiable labor del CENESEX, esa que a usted le parece “denigrante”, y que a mí me resulta maravillosa. Me da pena sobre todo con sus hijos, que serán víctimas de una educación autoritaria y despótica, enferma. Sí, porque como muy lúcidamente ha proclamado el CENESEX, la homosexualidad no es una enfermedad, pero la homofobia sí.   

Usted alega que el trabajo que realiza el CENESEX es “una vergüenza para la sociedad y la revolución”. Yo le diría que la Revolución debe sentirse avergonzada de que existan en Cuba sujetos como usted. Un día llegará en que las discriminaciones de cualquier tipo serán incluidas en el código penal. Ese día, siento que no muy lejano, los individuos como usted serán llamados a capítulo.

23 de abril de 2012.

PD: Posteriormente el tipo se ha retractado públicamente de las ofensas emitidas, pero no creo que ese “arrepentimiento” sea sincero, sino más bien condicionado por la presión de las tantas respuestas y la enorme polémica que le vino encima. Así no vale. 

(Fotografía: Erwin Olaf)